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酗酒者莫非,绽放新光彩

来源:http://www.jianlongrealestate.com 作者:美高梅网址 时间:2019-09-20 13:54

“梅花奖”新颁,15朵“梅花”绽放新光彩

时间:2017年06月05日来源:《中国艺术报》作者:怡 梦

“梅花奖”新颁,15朵“梅花”绽放新光彩

出得海外显魅力,入得基层有活力

  “徽剧改编西方作品,这是第一次,我们想用这个故事让西方观众感受到中国传统戏曲的魅力。”

  “我希望观众与剧中人物惺惺相惜,而不是让他们觉得这个技巧好赞。”

  “我们一年下乡演出350场,我的获奖剧目就是在基层打磨出来的。”

  最新一届中国戏剧奖·梅花表演奖不久前揭晓。获奖演员汪育殊、沈昳丽、袁丫丫谈起表演心得,感悟颇多。本届奖项是2015年全国性文艺评奖改革后首评,获奖名额从30名减为15名,从中脱颖而出的“梅花奖”演员,各有各的不易,各有各的精彩。

  “戏曲是古老的,艺术不古老”

  “传统戏表达一段感情一般就是站在那里唱,这出戏我是边舞边唱,几乎每段唱都有表演。”本届“梅花奖”榜首汪育殊的获奖剧目是改编自莎士比亚作品《麦克白》的徽剧《惊魂记》,汪育殊坦言,这个角色曾令他很忐忑。主人公本是一位英雄,受到怂恿,走上追求欲望的道路,不择手段取得了王位,内心却充满恐惧,人物心理之复杂,是传统戏中没有的。

  “我们设计了很多内心外化的表演,在表现上和传统戏不一样,比如表现他的纠结、痛苦,用了串翻身,表现他的内心正与邪的挣扎,用了抖翎子功。”汪育殊讲到,戏曲中有一门摔打功夫叫“僵尸倒”,在《惊魂记》中,他用了从高台上“滑僵尸”的技巧,使表演更准确。

  这是考虑到演外国故事,以唱为主外国人可能听不懂。“去年,《惊魂记》参加了英国爱丁堡国际艺术节,观众中有很多编剧、导演,观看这部作品没有任何障碍,他们说中国能演绎这个故事太意外了,中国的传统艺术真美。”这部作品的进校园演出也对汪育殊有所启发,“年轻人思维活跃、接受新事物快,我们在一所学校演出,其他地方的年轻人慕名而来,他们的喜爱,是我们今后创作的源泉。”

  有人问,徽剧这么古老的剧种演外国故事是不是有点不伦不类,汪育殊始终坚信导演徐勤纳的话,“戏曲是古老的,艺术不古老”。“徐勤纳先生80岁了,他对我们说,戏曲要发展,就要结合更多更好的艺术形式,吸收新的观众,让传统更丰富。”

  “不是简单地复排,而是重新梳理,回归传统不是样式上的回归,应该是精神上的回归。”以昆曲《紫钗记》获得“梅花奖”的沈昳丽说,这部戏她十年前就演过,当时的舞美、造型时尚、华丽,虽然演出很受欢迎,但在人物塑造和感情表达上,她感到不满足,这一次摒弃了外在的华丽,从唱腔咬字到眼神手势一一调整,她认为,回归传统不应该是碎片式的,而应该是体系式的。

  “我们把第六场整本从北曲改为南曲。”沈昳丽介绍,从前人们倾向于以激昂的方式来表现这段情绪,北曲更有力度,但与人物心理并不相配,改用南曲,表达的是“一腔难以名状的悲怨”。“准确的表达不是技巧的展示,这段表演中一个下腰也没有,不是不会,而是不想让观众因为一个技巧而鼓掌,忽略了情感的表达。”

  剧中有一段人物弹古琴的情景,按传统演法,演员虚拟弹古琴,辅以乐师伴奏,沈昳丽则是真弹古琴。“剧本中本来是弹琵琶,排练中我觉得琵琶的倾诉性太强,剧中我扮演的人物跟丈夫表达自己的小情感,不会是这么有攻击性的。”沈昳丽说,当时她还不会弹古琴,花了一个月的时间学习,“第一次在台上弹,手都在抖,这并不是才艺的展示,而是人物塑造的需要。”

  “别的院团一两年排一本戏,我们基层院团剧本一发,演员一凑,排练一个星期就下乡去演。”获得“梅花奖”的秦腔演员袁丫丫说,她的获奖剧目《春江月》就是一台下乡戏,讲一个没有结婚的女子,舍弃自己一生的幸福,把一个孩子养大成人。“我们每个星期换一个地方演,特别受欢迎,已经演了300多场。我在台上演,观众在台下哭,小孩趴在舞台边上看。”

  袁丫丫所在的甘肃天水有个习俗,每年要演“庙会戏”,正月初三初四开戏,每个乡每个村,都是大大小小的剧团搭的一台一台的戏。当地老百姓特别喜欢秦腔,有的剧团365天都在演。“我们早上八点起来化妆,一天演三本戏。九点半开演,一本戏三个小时,中午老百姓做好饭送来,都是他们家里能做的最好的饭,演员就在舞台上吃饭,下午两三点开演,又是三个小时,晚上再演,演完就快12点了。”

  基层演出条件不好,演员自带铺盖,住在舞台后面,几个人一间大宿舍,劳务费只有几十块钱,袁丫丫说:“基层演员挺辛苦的,但是剧团要生存,不演的话演员就散了。”她说,演出频繁也有好处,“戏演得多,青年演员机会多,成长很快,进步很大。”

  “好演员不是教出来的,是自己感受出来的”

  “中国戏剧尤其是戏曲,表演艺术是中心,表演艺术不仅仅是演员艺术,剧本、导演、舞美、灯光,方方面面最终的体现在于表演,演员是戏剧的实践者,也是戏剧与观众交流的主体,抓住了表演,就抓住了一部戏中提纲挈领的因素。”作为多届“梅花奖”的评委,目睹了34年来“梅花奖”对中国戏剧的巨大影响,《中国戏剧》主编赓续华表示,本届评奖给她留下深刻印象的是外国名著改编作品和老戏新演作品。

  “《惊魂记》对《麦克白》的改编比较成功,这个故事反映了人类的共性,400年过去了,依然能打动我们。尤其是在社会发展转型期,欲望的膨胀是推动力量,也是毁灭力量,令人警醒。”在赓续华看来,作品的改编非常中国化,把一个成熟的西方故事化入戏曲的唱念做打,演员通过手眼身法步,把人物表现得淋漓尽致,让人们看到了徽剧的深厚底蕴。参评本届“梅花奖”的越剧《心比天高》改编自易卜生的现代剧《海达·高布尔》,赓续华认为,这个外国故事以中国的造型和表达方式来讲述,更吸引人,它既有人性的深度,又和当下有所勾连,给演员的发挥空间很大。

  “再好的演员也演不好一个烂剧本,老戏新演的优势在于,它的剧本很成熟,有利于演员发挥自如。”赓续华表示,参评本届“梅花奖”的京剧《范进中举》,故事在今天依然有现实意义,演员把人的异化表现得入骨入心。秦腔《卧虎令》,川剧、京剧、晋剧,很多剧种都有这出戏,因为它很有价值,与一般的反腐倡廉作品不同,它表现刚直不阿,主人公为了道义宁可不做官,敢于抬着自己的棺材面君,充满正义感和责任担当。河北梆子《徐策》,把多个折子戏连缀成整本,给演员提供了更充分的表现空间。粤剧《白蛇传·情》一改以往的反封建主题,表现“妖若有情妖非孽,人若无情枉为人”,法海也不再拘泥于封建卫道士形象,种种调整,都张扬了大爱情怀;还发挥了粤剧接纳性强的特点,采用了很多粤歌,令作品生辉。

  “表演是需要人生阅历的,二十多岁颜值高,但表演不是那么容易走心,三四十岁是戏曲演员最好的年龄,阅历能让演员更有悟性,好演员不是教出来的,是自己感受出来的。”谈到“梅花奖”演员的表现,赓续华如是说。

  “深入基层不是落后”

  “2015年国际剧协总部落户上海,国际剧协总干事托比亚斯·比昂科尼特别喜欢中国茶,可是他说,一出门找不到茶舍,到处都是咖啡馆。”中国剧协分党组书记、驻会副主席季国平说,“舞台艺术也是一样,没有特点就没有价值,大城市受外来影响大,戏曲越到基层越受老百姓欢迎,不要觉得这是落后,基层正是戏曲生长的土壤。”季国平以此鼓励“梅花奖”演员要自信,同时,也为他们规划了未来的方向。

  “年轻人喜欢新奇、追求时尚是正常的,戏曲必须关注年轻观众,戏曲进校园是重要的渠道,选戏一定要适合孩子们,不要让他们把胃口吃倒了,有的年轻人说戏曲不好看,可能不是戏曲不好看,而是他看的那出戏不好看,所以我们一定要选经典,选适合不同年龄段的剧目。”季国平说,戏曲中有京剧、昆剧、徽剧、梆子等戏曲化程度极高的剧种,也有越剧、粤剧、黄梅戏、花鼓戏等更有生活气息的剧种,后者在吸引年轻观众方面更有优势。

  “演员拼的是文化,不是看书就够了,要把书读活,化为自身的修养,转变成表演样式。”季国平表示,演员创造性的读书越多越好,西方的、时尚的艺术看得越多越好,“然后就看怎么去消化和呈现,怎么让古老的戏曲时尚到骨子里,我们的价值就是让传统艺术活在现代。”

  多年来,戏曲与外来艺术相遇往往吃亏,面临的挑战很大,很多戏曲工作者不为报酬、长年坚守,“梅花奖”演员是其中的优秀代表。“他们需要到大剧院这样的高端平台上去展现,更需要多到老百姓当中去展现,养育戏曲的土壤不能忘,走出国门的重任不能忘,我们现在有外国故事的中国表达,未来要让中国故事、中国表达产生世界性的影响。”季国平说。

话剧《酗酒者莫非》观后

时间:2017年07月03日来源:《中国艺术报》作者:王耀平

史铁生之设想——莫非如此——话剧《酗酒者莫非》观后

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话剧《酗酒者莫非》剧照 钱 程 摄

  莫非如此,莫非如此?莫非如此!史铁生中篇小说(或是话剧剧本)《关于一部以电影作舞台背景的戏剧之设想》由波兰导演克里斯蒂安·陆帕搬上话剧舞台,剧名《酗酒者莫非》。主人公,或是那个醉鬼,也有了新的名字:莫非。

  史铁生原著中没有“莫非”,而是他惯用的“A”。开篇即说:“酗酒者A临终前寄出了一封信……”其后又说:“如果有可能按此设想排演和拍摄,剧名即为:《关于一部以电影作舞台背景的戏剧之设想》。不要改动这剧名,更不要更换,也不要更换之后而把现有的剧名变作副标题。现有的剧名是唯一恰当的剧名,为了纪念已故的酗酒者A,这剧名是再完美不过了。”

  史铁生去世了,他那关于剧名的遗训就显得十分无力——“不要改动剧名”“唯一恰当的”“再完美不过了”。作为导演及改编者,陆帕的权力至高无上。改了,笔者似乎看到躲在舞台一隅的史铁生黯然神伤。6月24日,是话剧《酗酒者莫非》的世界首映日。“波兰骑士”陆帕与“外星人”史铁生开始交手,史铁生站在云端发问:凭什么把剧名改了!陆帕双手抱肩:爱咋咋地!酗酒者A(或是莫非,或是演员王学兵)探头对着两位说:争论改变不了结果,你们端坐,一切都看我了!

  当史铁生改变不了结果的时候,他只能坐在后排,当个看客。以铁哥(笔者一直这样称呼他)无能为力或无奈这一逻辑推断,他应当会接受这一现实。莫非……莫非……莫非这是一部不错的话剧。

  躺在长凳上,那个叫莫非(王学兵饰)的人醒来后告诉观众:他是“死去七天之后才被发现”。观众面前的应该是酗酒者莫非的灵魂在晃动,也如史铁生所说:“A的视界、梦境、臆想、幻觉……”莫非的故事就是夜梦、白日梦;地点就是家、公园、派出所、梦幻世界;时间就是过去、现在、未来;人物就是莫非、母亲、爱人、妹妹、耗子(会说话的一定是人)、三女神(或是女巫)、莫、成长中的莫、熙熙攘攘的人群……讲述喝酒、亲情、孤独、无奈、残疾、爱情……然后,就是王学兵等演员5个小时表演后的谢幕。笔者似乎看到后排的史铁生也站了起来,他也鼓掌了,莫非他真的鼓掌了?或许是对众多演员的鼓励?在5个小时醉酒及梦幻的情境里,笔者不免产生错觉。

  笔者以为,“关于一部以电影作舞台背景的戏剧之设想”是原著小说的名字,这一标题完全没有涉及故事内容本身。史铁生之所以钟情于这个标题,说明史铁生对发现“现实与梦幻”关系的这一艺术表现形式更为自得和欣赏。这一艺术表现形式解决了时空穿越,同时突出呈现了制式或空间上的隔绝。不仅把过去、现在、未来放在一个戏剧舞台,而且把漂浮、漫游、转换、微观、宏观,甚至电影的手法随心所欲地融合进来。对于这一艺术表现形式,史铁生在原著后记中说:“我相信,这东西不大可能实际排演和拍摄,所以它最好甘于寂寞在小说里。”幸运的是,20年后的今天,资金和技术问题都得到解决,而且请到世界著名导演克里斯蒂安·陆帕执导,无论如何,史铁生都会感到欣慰。陆帕帮助史铁生实现了他的最初设想。

  陆帕在《酗酒者莫非》中融入史铁生《我与地坛》以及残疾(以轮椅为道具)的情节。这个改变让很多中国专家学者感到不满,不能接受,认为没有尊重原著。确实,原著中的“酗酒者A”这一泛指的主人公没有残疾,也没有去地坛,更没有史铁生的符号。在首映式次日举办的“恳谈会”上,陆帕表述了他对史铁生的理解认识,看了所有为这部话剧而翻译的史铁生的作品,他认为酗酒者就是史铁生。笔者以为,陆帕以一个外国人的身份,世界级戏剧舞台大师的眼光,他读懂了《关于一部以电影作舞台背景的戏剧之设想》这篇小说,也读懂了史铁生,这是十分难能可贵的。任何文学作品,都是作者思想的再现,或是充满了作者的影子。没有人告诉陆帕酗酒者A是谁,但他看到了史铁生的影子及思想,所以他在《酗酒者莫非》中暗喻了莫非即是史铁生。这一暗喻的意义是重大的:在梦幻与呓语中观众会超脱得太远,容易忽略了现实存在的意义,而地坛、残疾和暗喻的史铁生,会使我们贴近一位伟大的思想家的内心,让我们感受到他那非同寻常的内心世界。同时,也向全世界彰显史铁生思想的光辉。

  一个确实可靠的消息证实:《关于一部以电影作舞台背景的戏剧之设想》是史铁生为了结一段爱情所作,并非应邀而写的剧本。由此也证实:剧中有史铁生,陆帕与史铁生的内心是相通的。

  陆帕在改编中融入一位也是游魂的Oland国的女记者,这一角色的融入扩大了梦幻的范围,增添了世界色彩,也凭此人之口回答了观众(包括外国观众)的诸多疑问(陆帕语)。

  还有那面“墙”,史铁生1978年第一篇小说的名字就叫《墙》,后来改名《兄弟》。“墙”在史铁生心目中的位置就是隔阂,就是眼前的幕布。舞台上巨大的红墙,一定会使史铁生陷入无限的遐想。

  当然,该剧的结尾还有可商榷之处。原著的结局是悲剧,《酗酒者莫非》的结局却是喜剧。这其中可能有陆帕内心的善良愿望,即对酗酒者的宽容。总之,《酗酒者莫非》能有今天这种效果,应该令人满意,从思想、精神层面而论史铁生的这部小说,莫非如此!

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剧作家罗怀臻作客北京大学人文讲座 带来淮剧《武训先生》

时间:2018年10月30日来源:中国文艺网作者:平文

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“当信仰成为生活方式——从淮剧《武训先生》的创作谈地域文化的再乡土化”讲座现场

  10月29日下午在北京大学艺术学院举行了一场名为“当信仰成为生活方式——从淮剧《武训先生》的创作谈地域文化的再乡土化”的主题讲座。著名剧作家、都市新淮剧《武训先生》编剧罗怀臻作为主讲人为北大学子铺开了一幅“关于信仰”、“关于武训”、“关于都市新淮剧”、“关于再乡土化”的人文画卷。讲座由北京大学艺术学院副教授陈均主持。

  罗怀臻从自身经历出发,分享了很多自己在创作上的所想所悟以及文艺创作之于当下社会的意义。而谈及《武训先生》时感慨道,创作总是来源于最初的感动,而淮剧《武训先生》这部作品的诞生源于数年前一张希望工程女孩的照片给了他很大的震撼:一双干裂的手握着一支铅笔,一双充满对知识渴望的大眼睛,引起了全中国支持学龄儿童教育的风气。这让罗老师不禁联想到了武训,便产生了创作武训剧本最初的冲动。而近些年来,罗老师主导开办了中国剧协一系列的青年戏剧人才研修班,这样的办学经历让他对教育有了独特的感受,更坚定了他创作《武训先生》这个作品的想法。罗老师说,《武训先生》的故事对当代人有着很深刻的启迪——对知识有崇高的敬畏、对人生有执着的信念。一个清末的农民,仅凭一个人生信条,用一辈子的时间践行一件事。剧中的武训一生都在躬行实践着利他主义的道德观,和当下许多利己主义的社会现象形成强烈的对比。武训其人传递的“信仰成为一种生活”的精神在当下社会是有极其深远的推广意义的。

  谈到都市新淮剧,罗怀臻表示,淮剧起源于农村,成长于大都市,这对于一个剧种而言是一次用审美眼光提炼到饱满,加工到精致的过程。注重舞台质感,从审美上回归戏曲本体,制作上回归纯朴本质。而“再乡土化”的概念也并非因循守旧走老路,绝对不是历史的倒退,而是更高标准、更严要求的提纯和升华,来彰显自身的传统。例如,细微如尘土,伟岸如山峰的“武训”的形象正需要通过淮剧这样接地气的剧种来进行民族化、地域化和再乡土化的呈现。

  罗怀臻在讲座的最后饱含深情地说道,有诚意的作品才能真正打动观众,不忘初衷的表达才能真正开拓市场。希望《武训先生》这样一部良心制作的都市新淮剧能让大家在茶余饭后增加些许对三观、对未来、对人性的思考和体悟才是我们最大的收获。

  北京大学艺术学院艺术学理论系主任李洋说:“听了罗老师的讲座感触很深,罗老师娓娓道来,为我们呈现的不仅是他的创作历程,同时也告诉我们应该如何在生命中找到自己价值的体现。在当下,能够坚守住自己的理想、坚守住对艺术那份纯真的热情真的很不易。我能很强烈地感受到罗老师发自内心的热爱和热情,正是因为有了如罗老师这样的戏剧人的创造和执着才能让我们在这个浮躁的时代里感受到许多人性的光辉与温暖。”

  罗怀臻北京大学的讲座受到很多北大学子的关注,有不少同学在讲座结束后与罗老师做了深入的沟通与交流。同学们纷纷表示,中华民族传统戏曲艺术在当下的普及与传播十分有必要,罗老师的讲解深入浅出,从讲座中能深刻体悟到淮剧《武训先生》这部作品对于“教育”、对于“人性”的叩问具有能够感染到观众的触点。特别期待11月2日在北大百周年纪念讲堂上能亲身感受淮剧《武训先生》的独特魅力和人文情怀。

  【主讲人简介】

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  罗怀臻

  著名剧作家中国文联全委会委员中国戏剧家协会副主席

  上海市剧本创作中心艺术总监上海戏剧学院教授

  自20世纪80年代起,致力于“传统戏曲现代化”和“地方戏曲都市化”的创作实践与理论思考,剧本创作涉及昆、京、淮、越、沪、豫、川、甬、琼、秦腔、黄梅戏及话剧、歌剧、音乐剧、舞剧、芭蕾舞剧等剧种或形式。代表作品有淮剧《金龙与蜉蝣》《西楚霸王》《武训先生》;昆剧《班昭》《一片桃花红》;京剧《西施归越》《建安轶事》;越剧《真假驸马》《梅龙镇》《李清照》;甬剧《典妻》;川剧《李亚仙》;舞剧《朱鹮》;芭蕾舞剧《梁山伯与祝英台》;话剧《兰陵王》等。出版著作《西施归越》《九十年代》《罗怀臻剧本自选集》《罗怀臻剧作集》(3卷)《罗怀臻戏剧文集》(6卷)。作品曾获得各种国家级文艺奖项逾百种。部分剧作被译为英、法、日、韩等国文字出版演出。等。出版著作《西施归越》《九十年代》《罗怀臻剧本自选集》《罗怀臻剧作集》(3卷)《罗怀臻戏剧文集》(6卷)。作品曾获得各种国家级文艺奖项逾百种。部分剧作被译为英、法、日、韩等国文字出版演出。

台湾老“戏骨”金士杰 罗晓光 摄

  以编导“错误喜剧”《荷珠新配》掀起台湾小剧场运动新浪潮,开启台湾现代剧场序幕,这是金士杰最初崛起并广泛地进入人们视野的形象;但大陆观众最熟悉的,可能还是他在赖声川话剧《暗恋桃花源》中饰演的江滨柳。他既是演员,也是编剧和导演,涉足影视和舞台剧多个领域,被台湾同行亲切地称为“金宝”、被好友赖声川评价为“台湾现代剧场的开拓者及代表人物”,而许多后辈文艺青年则尊称他为“金老师”。

  多年以前,当黄磊版《暗恋桃花源》在北京演出时,一股怀旧风吹遍大街小巷,金士杰版的电影和话剧《暗恋桃花源》乃至“表演工作坊”其他剧目的正版盗版光碟常常被一扫而空;他逐渐活跃于大陆并为人所熟知,则是在此之后的事。这一次,他带来的是台湾果陀剧场改编自希区柯克电影《三十九级台阶》的悬疑侦探喜剧《步步惊笑》,将于5月23日至25日登陆国家大剧院舞台。这是他继在话剧《最后14堂星期二的课》中饰演莫利教授之后再度登陆大剧院舞台。跟记者见面时,他依旧朴素低调,亲切中透着拘谨,聊起表演则喜笑颜开,跟老来得子的他聊起家里刚满3岁的龙凤胎孩子,金士杰则“奶爸”样十足。

  “喜剧往往会让演员琢磨戏”

  大陆观众对于希区柯克的电影《三十九级台阶》并不陌生,2005年其电影文本经编剧帕特里克·巴洛改编为话剧《步步惊笑》后极其卖座。它讲述的是发生在上个世纪30年代英国伦敦的故事:一个普通的中产阶级“老宅男”,因一次离奇的“桃花运”而卷入一场间谍组织的计划,在惨遭追杀的过程中不得不展开“世纪大逃亡”。2009年,该剧由果陀剧场与导演杨世彭引入,以华人舞台剧少见的“谐仿”类型进行演出,获得如潮好评。

  这部舞台布景简单、只有三位男演员和一位女演员的戏,如何用四个人演出所有的角色不仅是一大看点,更制造了无穷无尽的笑料包袱。除了金士杰饰演的男主角,其他三位演员居然要饰演多达44位的角色。作为剧中的“老宅男”汉耐,金士杰在“逃亡路上”将会遇到警察、贵妇、农夫、小贩、教授、推销员,甚至是岩石裂缝、荆棘、瀑布、烂泥等40个“角色”或“道具场景”,演员的表演至关重要。金士杰坦言,这种简约舞台,剧情中又有火车逃脱、车顶追逐、被飞机在荒野扫射等惊险有趣的片段,“这是一出好玩的戏”。

  在话剧《暗恋桃花源》中,金士杰饰演的江滨柳文质彬彬、忧郁惆怅,肢体动作并不多;在去年搬演的《最后14堂星期二的课》中,莫利教授也一副阅世哲人的模样,细节表演更为传统。最初听说要演悬疑侦探喜剧,金士杰有点不太想演,因为第一印象这个剧似乎商业色彩很浓。后来读了剧本,又跟导演进行了磨合,突然发现演喜剧也不错,便接下了这个剧。金士杰说:“喜剧往往会让演员琢磨戏,因为它要满足观众的期待,要让每一个简单的场景、故事都充满内在的、出人意料的冲突与张力。比如一般演看到杀人了,正常我们会演惊慌、害怕,可以狂跑、大叫或者到处爬,但在《步步惊笑》里面,我们就设计汉耐是坐在沙发上的,尸体背后插着刀倒在他膝盖上,他要逃跑,左推右挪出不去,最后从尸体底下钻了出去,好像很荒诞,但喜剧效果就出来了。”

  “我更喜欢简约的舞台,这样表演更自由,更有空间”

  对许多大陆的文艺青年来说,熟悉金士杰是从他的众多舞台剧光碟开始的。他是《暗恋桃花源》中的江滨柳,是《摘星》中的智障儿童,也是《这一夜,谁来说相声?》中的白坛,《千禧夜,我们说相声》中的皮不笑……当然,他还是电影《外滩》中的杜月笙,《征婚启事》中那个骑着自行车、自带白开水去相亲的小学老师。有时候他会让人吃惊,表演的角色跨度很大,比如从江滨柳到杜月笙;有时候又不得不让人叹服,他真是戏如人生,本色地把自己恬淡低调的生活姿态放到戏中,比如《征婚启事》。

  金士杰是生活的体验派,并且乐在其中。他曾经说过,舞台的气质是“不合群”,他也的确如此。他在台湾屏东长大,曾是一名兽医,自言年轻时爱发呆,毫无表演教育经历却冒失地跑到台北,要从事热爱的演艺事业。这份乡土的气质,至今仍是人们对他的重要识别。在经历与名演员叶雯达10年的爱情长跑之后,这段感情却因女方不堪病痛困扰、跳海轻生而终结。那之后,金士杰长期抱持独身主义,直至与现任夫人涂谷苹相识相知,到57岁才步入婚姻殿堂。这些经历,在戏内戏外都包含着他的本色。

  “我更喜欢简约的舞台,这样表演更自由,更有空间。”谈起表演,金士杰手舞足蹈,甚至站起来给记者示范,痴迷、坦然,旁若无人。他喜欢这种感觉,他说:“我喜欢无拘无束的表演,可能是性格的原因吧,我觉得,不管是影视还是布景太满的舞台,都会有一定的限制,不好太多地去发挥,而生活中其实有很多东西是规定的场景所没法包容的。”在他看来,即使舞台的距离会让观众看不清细节,表演也可以通过各种夸张的手段、巧妙的调度把它们传达出来,比如古代用大面具,现在用灯光制造舞台特写或肢体语言。

  “我对这个世界有了更大的痛痒感”

  自从当了“奶爸”,长年坚持穿旧衬衣、老皮鞋、骑自行车的金士杰也买上了车,工作结束就兴冲冲地跑回家抱小孩。在接受记者采访时,他始终笑嘻嘻的,自嘲被人取笑也毫无知觉;同时他也毫不讳言,新的生活状态给了他对戏剧的新理解:“有了孩子之后,确实有很大的震撼,这是人世间极美好的事情,心里甜美,不知不觉总是笑,我现在想起这事情,感觉上,是因为我对这个世界有了更大的痛痒感。”或许,此次他演喜剧并非无因。

  如今再回过头看当年台湾的小剧场运动,许多人会感到不可思议。吴兴国的台湾当代传奇剧场、赖声川的表演工作坊、李国修的屏风表演班、林怀民的云门舞集,等等,都在金士杰创办的兰陵剧场之后纷纷涌现。那些团体“掌门人”的名字,个个听来如雷贯耳。金士杰在这段历史中居功甚伟,却在生活中如此朴素和乡土本色,更是不可思议。

  “我在台湾南部长大,那是乡下,从小就到田里、海边光着脚到处跑,那种跟大自然亲密接触的感觉,让人很放松,身体自由自在的。生活就是这样的,演员要体验各种各样的生活,要有判断、有理智,有爱情和亲情的体验,跟小时候去玩耍似的,渐渐地你就会跟它亲近,并且爱上那种去再度演绎的感觉。”金士杰自言,即便现在,自己演戏也还会有慌乱的时候,但体验会让人很快地进入到一种状态中,然后忘记一切,只剩舞台。

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